Artist statement

Photography represents for me a highly creative, never-ending mind game, where novelties are created under flexible rules and flexible objectives. Success or failure within that context is less important than the process itself. On the whole, I consider art making an expression of self-definition, self-fulfillment and freedom to play.

Although creation is a process in flux, the core drivers of my work are the ‘anticipation of a discovery’ and the ‘need for experimental versioning’. Through an urge for discovery, I have adopted modes of working from that of a flâneur to that of a precautions retoucheur, doing everything in postproduction. ‘Experimental versioning’ is indeed one of the reasons I became an artist. Within this realm, I am allowed to create art, pose peaceful objections to ideas, master narratives, vernacular iconography and position myself in the spatiotemporal coincidence of the here, the now, the future and the everlasting.

I currently work in digital, however the traditions of fine art b/w and color analog photography still inform my practice. My portfolios Seafront Views, Specimens of American Suburbia No Place Architecture, Unmanned and Inanimate and World of Immaterial Objects, I favor finding my subjects in the immediate environment, as opposed to constructing a reality in the studio. Residing in different countries and taking pleasure from wandering suburban areas are the reasons for developing a strong ‘sense of place’ and for questioning it though my creative processes. In Specimens of American Suburbia, which delves with Place Identity and Photographic Representation, I focus on suburban places and architectural structures, which I encounter by accident. As a matter of fact, I never plan, or hardly ever go back to the same place for a retake.

While shooting in Greece, the US, the UAE, France, or elsewhere, I leave out information that can reveal the place’s origin. I intend to show that these areas can exist ‘anywhere and nowhere’. Under this condition, their identity becomes fluid, as they are no longer attached to a map, but inhabit a non-geographically designated place. An ‘anonymous’ place designated by the use of the medium, in the context of post- New Topographics landscape photography. The aggregation of multiple out-of-context places, however, in a portfolio elevates this anywhere/nowhere approach into ‘somewhere’. This ‘somewhere’ is neither urban or suburban nor real or unreal. It is a place, where skies are always blue, where one can find many colorful architectural curiosities. These, in turn, hail the viewer to visually and mentally interact with the work and alter the places into what I like to call ‘adversely possessed hyp-urbias’.

There are no people appearing in them, but somehow they do through the traces they leave behind. To push the envelope further on this, by not capturing people I don’t mean to create a deadpan view of the world. On the contrary, I intensify human presence, as people subliminally appear not only through remnant material objects, but also through the coincidence of my encounter with this or that place, my will-to-create a version of what I saw, the place itself, and the historical context about the place.

I continue capturing dystopian landscapes; that is ambivalent in terms of place identity and photographic representation. I am looking to elaborate on the notions of photography and place identity by tracing their relation to current western trends of artistic iconography, human geography, psychology, and architecture.


Si inaugura oggi alle ore 19 la mostra collettiva “Divenire”, a cura di Giuditta Elettra Lavinia Nidiaci, che unisce e mette in relazione il lavoro di Marco Angelini, EPVS, Yiannis Galanopoulos, Cristallo Odescalchi, Andrea Pinchi e Federica Zianni. Ieri nella preview della mostra la visita del vice sindaco della città di Roma e assessore alla crescita culturale Luca Bergamo.

Il progetto espositivo comprende una serie di opere (la cui ricerca intercetta la pittura, la scultura, la fotografia, l’installazione e l’arte digitale), che indagano la tematica eraclitea del divenire, concetto che sta alla base del pensiero del filosofo Eraclito di Efeso (Efeso, 535 a. C. – 475 a. C.)

Così la curatrice scrive nel testo critico del catalogo: “Eraclito molto probabilmente non pronunciò il motto Pánta rheî, fu Platone a tramandarlo, quale condensato dei pensieri di Eraclito sul perpetuo fluire. Eraclito parlò della fissità come inganno, delle acque di un fiume che non sono mai le stesse e Platone parlò del Sole come Bene, un sole da render nuovo ogni giorno: come si può pensare il continuo mutamento della natura e delle cose che non è possibile ingabbiare in sistemi?

Il fiume in cui ci immergiamo è lo stesso, ma se le acque che lo compongono non sono mai le stesse, anche il fiume, la realtà, così come il sole, non è mai lo stesso fiume. Non si può rivivere ciò che è passato: bisogna accettare il divenire.

Tale tematica è intercettata senza fatica dal lavoro degli artisti Marco Angelini, EPVS, Yiannis Galanopoulos, Cristallo Odescalchi, Andrea Pinchi e Federica Zianni, la deriva eraclitea del divenire si traduce infatti nella grammatica di opere non ibride, ma che suggeriscano ed evochino l’idea di fluidità.”

Marco Angelini è intervenuto nella mostra con un mini-ciclo di opere pittoriche astratte realizzate ad acrilico che evocano paesaggi fluviali o legati all’elemento liquido, EPVS con un’installazione rappresentativa di una piscina realizzata con materiale di scarto, con la quale frontalmente dialoga un dittico di foto protetto da lastre di plexiglass, Yiannis Galanopoulos con una serie di fotografie che ritraggono alcuni particolari di un impianto idrico,Cristallo Odescalchi con una serie di lavori dai tratti minimalisti realizzati digitalmente, Andrea Pinchi con una grande tela ed infine Federica Ziannicon una serie di sculture in bronzo.